Fino a domenica va in scena al teatro Sociale La classe (2017) di Vincenzo Manna, prodotto da Società per Attori, Accademia Perduta/Romagna Teatri e Golden Art Productions.

Un insegnante precario di origine straniera, Albert, si vede affidata la gestione di un corso di recupero per studenti problematici.

Il preside non si attende risultati significativi dalla cosa: questi sei studenti debbono solo recuperare i crediti necessari per poter sostenere gli esami, nient’altro.

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Questi adolescenti son un gruppo variegato di problematiche intrecciate: musulmani, ebrei, borgatari, zingari. E ancora: timidi patologici, sbandati, piccoli spacciatori, teppisti in erba.

Albert cerca di svolgere il suo compito coscienziosamente, ma i suoi sforzi si infrangono contro il muro di diffidenza accumulata dai giovani rispetto all’autorità e al sistema scolastico.

Con un piccolo stratagemma gli riesce di interessare quasi tutti (come il filone delle storie ambientate in scuole di confine impone, c’è sempre chi non vuole essere aiutato) in un progetto europeo che contempla un premio.

A distanza visibile dalla scuola sorge un enorme campo profughi, causa di disagio e timori in città. Un rifugiato ha portato con sé un bel numero di documenti che testimoniano la repressione in atto nel suo paese.

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Il bando dell’Unione ha per tema i giovani e l’Olocausto: i materiali in possesso della classe sarebbero perfetti, e il fatto che a presentarli sarebbero studenti indisciplinati di una città in crisi potrebbe essere per loro un ulteriore bonus.

Il lavoro comincia, finché qualcuno viene travolto da un evento personale in concomitanza con alcuni disordini causati dai profughi. Questi ultimi diventano presto gli indiziati principali agli occhi dell’opinione pubblica e degli studenti stessi.

L’istituto non trova di meglio che chiudere, e dichiarare la classe di recupero completata d’ufficio; parallelamente la città istituisce un coprifuoco. Albert e i suoi virgulti si daranno per vinti?

La classe si svolge interamente all’interno di un’aula scolastica, dimessa e disordinata, ma il suo incessante confronto con il mondo esterno ad essa dissipa qualsiasi senso di claustrofobia potrebbe altrimenti sorgere.

Albert e i suoi studenti portano sempre con sé il bagaglio della loro storia personale; la realtà circostante irrompe costantemente nelle lezioni, costringendo tutti a reagire secondo la propria indole.

Come accusa un personaggio, è facile avere compassione delle sofferenze di chi vive lontano, difficile e scomodo è invece averne con chi ti sta sotto gli occhi, chi vive in città ed è stritolato dalla crisi economica.

Vincenzo Manna ha fatto un ottimo lavoro nel bilanciare gli elementi del suo lavoro: per una catastrofe umanitaria, un silenzioso dramma individuale. E se rimane chiaro chi tra i personaggi rappresenta la ragione e chi il torto, al torto viene dato spazio per una efficace arringa difensiva.

Giuseppe Marini, alla regia, ha anche lui ben variato il ritmo dell’azione a seconda dei momenti, seri, drammatici o giocosi della scena.

Il cast si muove bene nel dare voce a questi personaggi in cerca di un posto nel mondo. Andrea Paolotti è molto realistico come Albert, insegnante consapevole della scarsa autorevolezza oggidì attribuita alla posizione, solido eppur pacato.

Come preside, Claudio Casadio si mostra burocraticamente disincantato, impegnato verso il suo istituto assai più di quanto lo sia verso i suoi studenti, teoricamente ragion d’essere dell’intera istituzione. Eccetto quando parla di galline (a proposito delle quali… più avanti).

Poca meraviglia se questi adolescenti avversano scuola e potere: problemi a scuola? Chiusura e metal detector. Problemi in città? Coprifuoco e muraglie.

I giovani attori a cui sono affidati i ragazzi (Brenno Placido, Edoardo Frullini, Valentina Carli, Giulia Paoletti, Andrea Monno) svolgono il loro compito oltre la sufficienza (naturalmente non tutti nella stessa misura), e mi spiace non inoltrarmi nell’argomento, ma molta parte di La classe consiste nel conoscere (ancora, in diversa misura) il corpo studentesco. Sarebbe come entrare nei dettagli dei personaggi di Breakfast Club.

La scena, quest’aula dai banchi usciti da decadi passate, è di Alessandro Chiti. Le luci di Javier Delle Monache (coadiuvate dalle musiche di Paolo Coletta) contribuiscono puntualmente a denotare la scansione delle lezioni.

Teatro serio, questo. Il tema, se sia più sensato sopportare gli oltraggi del destino cinico e baro o combattere contro un mare di problemi e lottando disperderli.

Casadio offre una guida lungo lo spettacolo. Parlando di polli.

Le galline hanno le ali, ma non volano, tutt’al più svolazzano per pochi metri. Conducono un’esistenza dalla routine fissa: mangiano, dormono, si accoppiano, tuttavia sono costantemente preda del timore. Vedete i parallelismi, certamente.

Ma vi è dell’altro. Se le ali dei polli non gli concedono il volo, le loro zampe sono forti e ben piantate sul terreno. Una gallina potrebbe, volendo, raggiungere dall’Italia Parigi in tre giorni, Berlino in nove.

Basterebbe loro una rampa, e raggiungerebbero la luna.

La compagnia incontrerà il pubblico al teatro Sociale alle 17 e 30 di venerdì; lo spettacolo va in replica venerdì 24 e sabato 24 novembre alle 20 e 30 e ancora domenica 25 alle 16. La rappresentazione si è conclusa alle 22 e 55.

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Giovedì 16 gennaio alle ore 20 e 30, all’auditorium Melotti di Rovereto, andrà in scena Overload, “ipertesto teatrale sull’ecologia dell’attenzione”, opera del collettivo Sotterraneo vincitrice nel 2018 del premio Ubu quale spettacolo dell’anno.

Produce Sotterraneo stesso insieme a Teatro Nacional D. Maria II nell’ambito di APAP – Performing Europe 2020, Programma Europa Creativa dell’Unione Europea.

Prendendo le mosse dalla vicenda artistica e umana di David Foster Wallace (1962-2008), Overload mira a sottolineare come la condizione di iperstimolazione cui è sottoposto l’uomo contemporaneo l’ha ridotto ad avere una capacità di attenzione – ed empatia – inferiore a quella dei pesci rossi.

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Claudio Cirri presta la voce a Foster Wallace stesso in mezzo alle interruzioni e alle possibilità/distrazioni ipertestuali proposte dalla scena e dai colleghi, con la partecipazione del pubblico.

Come presentano l’opera i Sotterraneo stessi, “L’attenzione è una forma d’alienazione: il punto è saper scegliere in cosa alienarsi.

Per questo sembriamo sempre tutti persi a cercare qualcosa, anche quando compiamo solo pochi gesti impercettibili attaccati a piccole bolle luminose e non si capisce chi ascolta e chi parla, chi lavora e chi si diverte, chi trova davvero qualcosa e chi è solo confuso. Sei arrivato fin qui senza spostare lo sguardo?

Davvero? E non è insopportabile questo sforzo di fare una cosa soltanto alla volta? Guardati attorno: quante altre cose attirano la tua attenzione? Ora guardati dall’alto: riesci a vederti?”

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Daniele Villa, responsabile del testo, chiarisce: “Ci stiamo spostando verso un’acquisizione del sapere non più verticale ma orizzontale. Questo implica un cambiamento a vari livelli: verità, consapevolezza, capacità di stare nel presente.

In Overload, a partire da un discorso centrale, i performer offrono continuamente link a contenuti nascosti che innescano possibili azioni e immagini.

Gli spettatori possono rifiutare i collegamenti e continuare a seguire il discorso; oppure attivarli, perdendosi in un labirinto di distrazioni, in una rincorsa al frammento molto simile a quello che sperimentiamo tutti i giorni”.

Overload

concept e regia Sotterraneo, in scena Sara Bonaventura, Claudio Cirri, Lorenza Guerrini, Daniele Pennati, Giulio Santolini, scrittura Daniele Villa, luci Marco Santambrogio, costumi Laura Dondoli, sound design Mattia Tuliozi, props Francesco Silei, grafica Isabella Ahmadzadeh

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Fino a domenica va in scena al teatro Sociale Dracula, che Carla Cavalluzzi e Sergio Rubini (anche regista) hanno adattato dall’omonimo romanzo di Bram Stoker. Produce Nuovo Teatro.

Pare superfluo ripercorrere nel dettaglio una storia tanto famosa, ripresa e riadattata in teatro e al cinema tante volte (citiamo almeno il Nosferatu di Murnau) che solo chi si oppone nettamente al fantastico non ne conoscerà perlomeno i punti salienti, ma a buon conto:

Il giovane avvocato Harker (Luigi Lo Cascio) si reca in Transilvania allo scopo di definire i dettagli dell’acquisto di una residenza a Londra da parte di tale conte Dracula (Geno Diana).

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Questi lo trattiene/imprigiona nel suo castello con la scusa di migliorare il suo inglese mentre si prepara per il suo vero piano: trasferirsi in una grande, affollata città piena di gente all’oscuro del folclore carpatico da degustare in tranquillità.

Mentre il conte si fa caricare su una nave, Harker riesce fortunosamente a rimpatriare, per quanto affetto da disturbi che richiamano chiaramente un PTSD.

Harker, accompagnato dalla moglie Mina (Alice Bertini), sceglie per riprendersi un sanatorio proprio vicino a dove sbarca la nave di Dracula, con l’effetto che il conte decide di approfondire la conoscenza con la sua dolce metà.

Incuriosito dai sintomi della coppia, il direttore dottor Seward (Roberto Salemi) decide di chiedere l’aiuto del suo antico maestro, il professor Van Helsing (Rubini stesso). Segue lotta dei nostri eroi contro il Male Incarnato, fino alla fine.

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Adattare Dracula è sempre una sfida: è un romanzo lungo, narrato tramite lettere, diari, articoli di giornale, ricco di personaggi che fatalmente trovano poco o punto spazio in un paio d’ore.

Non stupirà quindi che Cavalluzzi e Rubini abbiano eliminato Lucy Westenra e i suoi corteggiatori in favore dei personaggi che non mancano mai.

Altrove hanno operato piccole modifiche, peraltro veniali: l’epilogo si svolge tre anni dopo gli eventi anziché sette (forse perché un passeggino dopo un intervallo di sette anni sarebbe potuto parere tardivo), e lo scontro finale anziché all’arma bianca si risolve con il caro vecchio paletto di frassino.

Nel complesso questo Dracula rende bene la storia, regalando uno spettacolo denso di avvenimenti e persino prossimo al libro originale negli esiti.

In Stoker il vampiro compare principalmente nella prima parte, al castello. Successivamente la storia sposta la sua gravità verso il gruppo degli eroi e l’effetto che Dracula ha sulle loro vite, come un segno indelebile che si espande ed influenza tutti quelli con cui hanno a che fare.

Eccettuato il climax, la vera storia è quella della lotta dei mortali per salvare l’umanità, e il loro stesso equilibrio, da un predatore che agisce anche come un virus.

Il cast, guidato da volti famosi come Lo Cascio e Rubini, lavora splendidamente con il materiale, mantenendo interessanti e gustosi anche gli inevitabili momenti di pura esposizione.

Luigi Lo Cascio regala un’ottima prova con il suo Harker, inizialmente attonito e sempre più spaventato in una landa straniera, poi oppresso da ricordi che cerca di rimuovere per non esserne travolto, infine deciso a combattere per salvare la sua famiglia.

Il Van Helsing di Sergio Rubini è molto simile all’originale: un compassato, lucido professore di medicina che fortunatamente è dotato delle conoscenze necessarie a lottare contro un vampiro. Rubini, eccettuata una risata causata da nervosismo e meraviglia per le circostanze inattese, lo mantiene generalmente padrone di sé e alieno dall’eccentricità spesso associata al personaggio.

La Mina Harker di Alice Bertini affronta efficacemente una parabola simile a quella del marito: da ragazza dell’era vittoriana combatte uno stimolo interiore che la spinge progressivamente a perdere autocontrollo e inibizioni, passando da mogliettina devota a virago disinibita.

Forse il Seward di Roberto Salemi è il ruolo più ingrato tra quelli disponibili. Anche lui scienziato scettico e professionale, può dare il meglio di sé solo nelle scene di/su Renfield, venendo un poco eclissato da Van Helsing col proseguire della vicenda.

Ah già, Renfield. Un personaggio tanto indimenticabile quanto superfluo alla storia. Intendo in assoluto, non nel presente adattamento: incontriamo Renfield in manicomio, incapace di influire su chicchessia in un modo o nell’altro, inutile al conte quanto privo di nuove informazioni per gli eroi della storia.

Se tutti i Dracula dacché esiste il conte Dracula lo includono è perché è precisamente un personaggio memorabile, diventato ormai un tipo narrativo indipendente e riconoscibile. Lorenzo Lavia va a nozze con quest’essere la cui persona si frantuma sotto l’effetto del vampiro lasciando solo momenti di incontrollata espressione.

Rimane da notare il conte stesso, che inizialmente appare dal buio della sala come una minaccia che sorge da vicino a noi.

(E posso ben dirlo, giacché all’inizio della rappresentazione l’interprete si è seduto proprio di fianco a me in attesa del suo momento).

Geno Diana ha offerto un Dracula fuori dagli schemi, né Max Schreck, né Christopher Lee, né Bela Lugosi. Piuttosto il suo è stato un Falstaff bohémien, con gesto imperioso ed eloquio tonante. Bella l’idea di non fargli usare l’italiano ricorrendo invece a quello che, Stoker alla mano, dovrebbe essere ungherese, con una spruzzata di altre lingue.

La scena, di Gregorio Botta, prevede alcuni paraventi ed un elemento elevato, ma combinata con gli effetti e le luci (di Tomaso Toscano) offrono splendida versatilità a questa opera dal passo rapido.

Sempre parte di un progetto dai dettagli curatissimi, le musiche gotiche di Giuseppe Vadalà e gli effetti sonori di G.U.P. Alcaro rimarcano l’azione e le molteplici crisi dei personaggi.

Gli amanti del fantastico dovrebbero certamente apprezzare questa versione di una delle storie classiche del genere; lo spettatore generico troverà comunque una storia interessante, recitata e diretta con passione e stile ineccepibili. Stasera il pubblico ha certamente gradito.

Prima dell’opera vera e propria la coppia in perenne crisi di Emit Fiesti è tornata ad introdurre la serata, stavolta esibendosi in un bizzarro tentativo di roleplay a sfondo vampiresco.

La compagnia incontrerà il pubblico al teatro Sociale alle 17 e 30 di venerdì; lo spettacolo va in replica venerdì 10 e sabato 11 gennaio alle 20 e 30 e ancora domenica 12 alle 16. La rappresentazione si è conclusa alle 22 e 45.

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